Wilhem Von Kalisz, C'est l'amour qui nous fait voir la beauté , 2021. Huile/acrylique/impression numérique/peinture numérique sur toile, 120 x 100 cm.
Les Grâces sont trois déesses sœurs que la mythologie romaine a tirées de l'exemple grec des Cariatides, afin de favoriser la diffusion d'une iconographie qui, parmi les plus positives des civilisations antiques, était capable de faire allusion à l'harmonie obtenue par le culte des arts, de la nature et de la végétation, fondements de la joie de vivre humaine. Quant au mode de représentation de ce sujet "ludique", une iconographie spécifique s'est imposée depuis l'époque grecque, à tel point que, dans l'imaginaire poétique, littéraire et culturel d'alors jusqu'à aujourd'hui, les Grâces apparaissent comme trois jeunes femmes nues, parmi lesquels, l'une d'eux, apparaît tourné vers les autres, tandis que ces derniers font face au spectateur. En contemplant les chefs-d'œuvre majeurs de l'histoire de l'art illustrant ce sujet, j'ai pu voir comment, au fil des siècles, il a subi quelques modifications, ainsi qu'une accentuation du côté érotique et sensuel des effigies. Ce qui précède ressort clairement de la comparaison de trois œuvres ayant le même sujet, comme les Trois Grâces sages et Renaissance de Raphaël, les Grâces néoclassiques finement sensuelles de Canova, et les Grâces complices et plus érotiques de Rubens.
Raphaël, Trois Grâces , 1503-04. Huile sur panneau, 17 x 17 cm. Chantilly : Musée Condé.
Canova, Les Trois Grâces , 1812-1817. Sculpture en marbre. Saint-Pétersbourg : Musée de l'Ermitage.
Rubens, Les Trois Grâces , v. 1636. Huile sur toile, 221 X 181 cm. Madrid : Musée du Prado.
En parlant du premier chef-d'œuvre mentionné, le panneau, daté de c. 1503, est l'une des plus petites peintures réalisées par Raphaël, ainsi que la seule œuvre à thème non religieux de la période florentine de l'artiste, qui l'a réalisée sous l'influence de Pinturicchio et du Pérugin, en plus de l'inspiration tirée de la réplique romaine de une sculpture de l'époque hellénistique, que le maître a probablement pu observer à la bibliothèque du pape Pie II Piccolomini à Sienne. Le résultat de ces études est la composition dans laquelle trois jeunes femmes au premier plan, nues et enlacées, tiennent des sphères, immergées dans un paysage vallonné d'où il est également possible de discerner la présence d'un ruisseau. Quant aux globes, ils peuvent faire allusion aux Hespérides, nymphes de la mythologie grecque vouées à la garde du jardin aux pommes d'or d'Héra, figures analogues à celle des Trois Grâces, quoique de moindre fortune artistique. D'un point de vue purement symbolique, en revanche, lesdites pommes représentent l'immortalité, tandis que les Grâces font allusion aux vertus féminines de pudeur, de beauté et d'amour, comprises comme une sorte de récompense pour la bonne conduite des êtres humains. Enfin, la beauté classique des nus composites ne semble pas faire allusion à des doubles sens espiègles, alors que, dans les œuvres ultérieures de Canova, en raison de la proximité et de la complicité accrues entre les femmes, la charge sensuelle devient certainement plus grande. Malgré cela, le style néoclassique du sculpteur italien, visant à exprimer le concept de beauté idéale à travers la perfection physique des sujets, ne représente pas une réelle valeur érotique, facteur qui se développera davantage dans l'investigation figurative ultérieure de Rubens. Revenant aux Trois Grâces de Canova, le chef-d'œuvre de 1813-1816, commandé par la première épouse de Napoléon, à savoir Joséphine de Beauharnais, présente les sœurs enlacées dans une étreinte familiale, au sein d'une composition triangulaire dont le sommet est représenté par les cheveux de la fille centrale. Dans ce contexte, une expression émotionnelle chaleureuse peut être détectée, malgré le rationalisme néoclassique, qui se dessine dans les visages des femmes soucieuses de manifester toute la spontanéité de leur lien affectif. L'idée de « famille » passe au second plan dans l'interprétation baroque de Rubens, car ce mouvement esthétique valorisait davantage les compositions artificielles et sensuelles, dominées par la présence de la ligne serpentine, utilisée pour modeler sinueusem*nt le corps humain. Dans le cas particulier des Trois Grâces (1636), le peintre flamand traite le sujet mythologique selon son idéal typique de beauté : des corps opulents aux hanches larges et aux petit* seins, dont la peau, au niveau des articulations, crée des plis marqués. De telles particularités donnent voix au triomphe de la chair et de la sensualité des corps féminins, qui, clairs et lumineux, se révèlent aussi abondants que la nature qui les entoure, s'inspirant probablement de la situation amoureuse fleurie de l'artiste, qui peu après son mariage , a commencé à afficher son bonheur et sa vitalité à travers des thèmes plus "érotiques".
Oleg Sergeev, Les trois Grâces , 2015. Pastel sur carton, 70 x 85 cm.
Tony Rubino, Tatouages graffiti des Trois Grâces , 2022. Acrylique / lithographie sur toile, 50,8 x 50,8.
Les trois Grâces dans l'histoire de l'art
D'un point de vue purement chronologique et stylistique de l'histoire de l'art, les premières représentations des trois Grâces, comme prévu, remontent à la civilisation grecque, dont l'iconographie a représenté le modèle de l'art romain et de la Renaissance ultérieur. Dans ce contexte figuratif, l'image hellénistique classique des trois femmes nues, disposées de manière à ce que la centrale soit vue de dos, tandis que les autres la flanquent frontalement, a été interprétée de manière plus novatrice par Botticelli qui, au XVe siècle, a capturé les figures susmentionnées dans un "girotondo" plus dynamique et innovant, une composition qui sortait des interprétations plus traditionnelles de grands maîtres tels que Francesco del Cossa et Raphaël. Par la suite, après le moindre succès rencontré par le thème au cours du XVIIe siècle, période où se distingue pourtant l'œuvre dudit Rubens, les trois Grâces reviennent fortement en vogue au sein du courant du néoclassicisme, dont l'apogée du raffinement stylistique est rendu par l'art sculptural du génie d'Antonio Canova. A partir de ce dernier moment historique, ce sujet s'est avéré très populaire dans le récit des arts figuratifs, à tel point qu'il est devenu un objet de représentation "typique" par les préraphaélites, les représentants de l'Art Déco, et par ceux de l'avant-garde du XXe siècle, des artistes qui ont rendu des jeunes filles dans les formes et les couleurs les plus impensables, jusqu'aux interprétations les plus modernes, parmi lesquelles, particulièrement remarquables, celles des sculpteurs Niki De Saint Phalle et Dorit Levinstein. Enfin, en plus des artistes susmentionnés, les trois Grâces ont également fait l'objet d'attention d'artistes Artmajeur, qui, tels que Max Leonhard, Kristina Korobeynikova et Mandy Sand, ont étudié leur potentiel érotique, expressif et émotionnel en exploitant des traits stylistiques. et des techniques bien distinctes les unes des autres.
Mandy Sand, Les Trois Grâces, 1988. Conté / crayon sur papier, 70 x 50 cm.
Mandy Sand : Les Trois Grâces
Exécuté dans le respect de la composition figurative plus traditionnelle d'origine hellénique, le dessin des Trois Grâces de Sand a probablement été réalisé grâce à la pratique de la technique graphique particulière de la sanguine, un outil de dessin qui, parmi les plus anciens en circulation, est constitué d'hématite réduite aux bâtons, au moyen desquels des formes d'une couleur rougeâtre particulière peuvent être tracées. Ce dernier, extrêmement populaire tout au long de la Renaissance italienne, époque où il était plus communément appelé "crayon", a continué d'être un incontournable du dessin à la fin de la période du maniérisme, comme en témoignent Les Trois Grâces de Jacopo Carucci, un maître qui, plus connu sous l'appellation Pontormo, créa vers 1535 le sujet susmentionné, aujourd'hui conservé à la Galerie des Offices. Dans ce dernier chef-d'œuvre, les formes, esquissées dans leur clair-obscur, sont définies au moyen des contours, visant à donnant vie à des corps nus mis en valeur dans leurs particularités formelles par la partie supérieure de l'œuvre, dans laquelle le dynamisme des bras rend la complicité des trois dames plus intéressante, captivante et sagement sensuelle. Contrairement à ce dernier dessin, le travail de l'artiste d'Artmajeur apparaît plus statique, bien que la mise en mouvement des effigies soit assurée par les riches motifs décoratifs destinés à orner leurs corps d'une beauté antique, destinés à rapprocher le modèle classique de l'imaginaire contemporain.
Kristina Korobeynikova, Trois Grâces , 2022. Acrylique sur toile de lin, 175 x 135 cm.
Kristina Korobeynikova: Trois Grâces
Les pommes cueillies entre les mains des trois belles jeunes filles de la peinture en partie pointilliste de Kristina Korobeynikova rappellent le chef-d'œuvre de Raphaël, anticipé dans son interprétation du thème mythologique par l'interprétation précédente du sujet par Francesco del Cossa, peintre italien né en 1436, un représentant bien connu de l'école de Ferrare du XVe siècle. En fait, ce dernier artiste a disposé les trois Grâces, nues, debout et tenant des "sphères" dans leurs mains, dans Aprile , l'une des fresques peintes, entre 1468 et 1470 environ, à l'intérieur du Salone dei Mesi du Palazzo Schifanoia à Ferrare, Italie. Ce tableau, exécuté pour représenter un manifeste politique concret de la grandeur du duc Borso d'Este, est divisé en deux bandes horizontales : une supérieure, dans laquelle apparaît le triomphe de Vénus ; un central, où sont placés le signe du taureau et les trois "décans" ; et une inférieure, décorée de scènes du gouvernement d'Este. Dans ce riche contexte, les trois Grâces trouvent leur place dans le registre destiné à raconter les vicissitudes de la déesse de l'amour, représentée alors qu'elle avance sur un char au défilé festif tiré par deux cygnes blancs, qui se déplace en glissant sur les eaux d'un fleuve. Dans ce mode de mouvement, Vénus a l'intention de célébrer sa victoire sur Mars, qui est représenté, portant son armure médiévale de chevalier, agenouillé devant elle. Dans l'arrière-plan même de cet épisode, situé dans un paysage vallonné, il est possible de discerner, à droite de Vénus, positionnée sur un rocher, les trois Grâces, entourées d'éléments figuratifs chargés de multiples significations symboliques, dont beaucoup font allusion à la fertilité et l'amour, un sentiment qui trouve son écho le plus explicite dans l'étreinte entre les jeunes capturés au premier plan du tableau.
Max Leonhard, Trois Grâces , 2021. Pigments sur toile, 206 x 156 cm.
Max Leonhard : Trois Grâces
À travers l'interprétation en partie métaphysique de Leonahard, il est au contraire possible de renouer avec les représentations des Trois Grâces du XXe siècle, prenant place, avant tout, dans la popularité dont jouissait un tel sujet parmi l'avant-garde cubiste historique, bien illustrée par l'œuvre de Robert Delaunay. Chef-d'œuvre de 1912, Les Trois Grâces . Cette huile sur toile, a été conçue avec l'intention de traduire, à travers un langage visuel moderne, un thème de poétique et d'élégance intemporelle, que le maître français a également exploré dans des œuvres antérieures, parmi lesquelles, remarquables pour la notoriété, La Ville de Paris et un esquisse inachevée de 1909, inspirée d'une fresque du même sujet de Pompéi. Revenant aux Trois Grâces , la peinture date et une période dorée dans la carrière de Delaunay, qui consolidait sa position de grand artiste de l'époque, ainsi qu'un important représentant du cubisme. En ce qui concerne précisément ce dernier mouvement, il convient de souligner comment l'artiste français a repris l'interprétation picassienne brisée et concaténée des plans, tout en conservant néanmoins une plus grande accessibilité visuelle aux sujets interprétés. Enfin, l'œuvre bénéficie déjà d'un traitement spécifique des lumières, qui se traduit par le sens de réfraction créé par les plans miroitants, anticipe le dernier orphique Delaunay, auteur de chefs-d'œuvre tels que, par exemple, La Joie de vivre (1930) et Formes circulaires . (1930).
